Актерское искусство

Обычно актерское искусство определяется как один из видов исполнительского творчества, мастерство создания сценических образов в театральных спектаклях и других зрелищных видах творчества.

При определении этого вида искусства необходимо учитывать его основной принцип – перевоплощение. Что это такое? Это способность актера предстать в образе другого, отличного от себя персонажа со всеми его внешними и внутренними характеристиками, который не обязательно должен быть человеком.
В течение спектакля или фильма актер говорит и действует от имени своего персонажа.

Техника актерского искусства

Существуют разные техники актерского искусства. Различают два вида перевоплощения: внешнее и внутреннее. Они в свою очередь могут быть выражены через формальные технические приспособления, например, костюм и грим, или же могут быть основаны на психо-эмоциональных актерских техниках.

Принято выделять «школу представления» и «школу переживания». Первая строится на ярко театральных, зачастую фарсовых приемах актерского искусства, вторая – основывается на жизнеподобии, психологической достоверности в изображении персонажа.

Тем не менее, внешнее и внутреннее перевоплощения можно разделить лишь относительно, так как они взаимосвязаны. Изменяя внутреннее, актер непременно меняется и внешне, равно как и изменение внешности влечет за собой внутренние перестройки.

Рабочие инструменты актера

Рабочими инструментами актера являются его психофизические данные:

• тело и умение им владеть – пластика и моторика;
• голос и его данные (дикция, дыхательный аппарат);
• музыкальный слух, чувство ритма;
• эмоциональность;
• наблюдательность;
• воображение;
• эрудиция;
• скорость реакции и т.д.

Все эти качества поддаются развитию, и актер должен постоянно работать, чтобы поддерживать свой рабочий аппарат в хорошем состоянии. Актеру необходим регулярный тренинг. Как артист балета ежедневно делает экзерсисы у станка, а вокалист распевается, так и занятия сценической речью и сценическим движением становятся неотъемлемой частью распорядка дня актера.

Особенности актерского мастерства

Современное актерское искусство имеет довольно интересную особенность.

1. С одной стороны, оно кажется невозможным без сотрудничества нескольких индивидуальностей. Ведь создание роли оказывается невозможным без написавшего пьесу драматурга, выбравшего ее к постановке режиссера, композитора, балетмейстера, художника и других членов постановочной группы.
2. С другой же стороны, выходя на сцену, актер оказывается один на один со зрителем, становясь проводником коллективного творчества. Кроме того, своеобразным соавтором творчества актера становится зрительный зал, своей реакцией вносящий коррективы в созданную актером роль.

Таким образом, искусство театрального актера становится постоянным творческим процессом, а каждый спектакль оказывается уникальным и неповторимым.

История актерского искусства

Истоки актерского искусства следует искать в древних языческих ритуалах, в которых разыгрывались различные сцены из жизни общества, такие как:

• охота;
• действия, сопровождающие смену календарного цикла и способствующие плодородию;
• взаимоотношения с духами предков и богами.

Изначально эти ритуалы исполнялись всем родом или племенем. Однако с течением времени исполнение ритуальных обязанностей было возложено на определенную группу людей. Это закономерно привело к разделению на исполнителей и зрителей.

Первыми актерами можно назвать шаманов и жрецов, чьей задачей, наряду с осуществлением магических действ, было эмоциональное воздействие на зрителей.

Дальнейшее развитие театра, а с ним и актерского искусства, идет двумя путями:

1. С одной стороны, сохраняется устойчивая связь с религией, и актерское искусство формируется под влиянием аллегорических выразительных приемов. При этом традиционные формы как бы застывают и не меняются со временем, совершенствуясь внутри канонических рамок. Таков театр Востока, например, японские театры Но и Кабуки или индонезийские Топенг и Ваянг-голек.
2. С другой стороны, в театре начинают звучать светские и социальные мотивы, драматурги пишут пьесы, что способствует развитию разнообразных театральных форм и техник. Таков западный театр, берущий начало в античной Греции.

История театрального искусства Европы

История театрального искусства Европы развивается двумя параллельными направлениями: народное искусство странствующих актеров и официальное театральное искусство.

1. Труппы бродячих артистов обычно формировались в народной среде, и в своих представлениях отражали проблемы простого народа, в связи с чем были преследуемы властями. Представления бродячих актеров отличались импровизационным началом, злободневностью тем и постоянными, типическими персонажами-масками.
2. Официальный театр, напротив, развивался при поддержке власти, как светской, так и церковной, и использовался в идеологических целях, формируя политические и религиозные взгляды общества. Официальное театральное искусство основывалось на развивающейся одновременно с ним драматургии, сценографии и других видах искусства и прошло через различные этапы своего эстетического развития.

Параллельное развитие этих двух направлений продолжалось вплоть до XIX века. С зарождением искусства режиссуры, которое вывело театр на иной более высокий уровень, эти два изолированно развивающихся направления стали сливаться.

Актерское искусство в Древней Греции

Актерское искусство Древней Греции зависело от особенностей театральных площадок того времени.

Огромные театры вмещали десятки тысяч зрителей, спектакли шли на открытом воздухе, а о звукоусилительной технике тогда не могло быть и речи. Поэтому искусство актера отличалось широким жестом, преувеличенным, гиперболическим изображением чувств, форсированием звука.

Необходимостью быть увиденным из любой точки гигантского зрительного зала объяснялось и наличие котурнов, масок, высоких головных уборов, накладных горбов или животов.

В древнегреческом театре преобладали два жанра – трагедия и комедия, которым соответствовали два стиля актерского исполнения: монументально-эпический и буфонно-сатирический соответственно. Стили отличались речевыми приемами, используемыми в каждом из этих жанров.

1. В трагедии четкое и размеренное произнесение текста, называемое «каталоге», сменялось речитативом («паракаталоге») и пением («мелос»).
2. Речь комедийных актеров была предельно динамична, насыщена резкими, неожиданными переменами интонаций, криком, визгом, актеры будто бы захлебывались от быстрого произнесения текста.

Актерское искусство  древнем Риме

Древний Рим заимствовал актерское искусство Древней Греции. Однако в эпоху императорского Рима театр стал вытесняться цирковыми и пантомимическими зрелищами, а актерское искусство приходило в упадок. Трагедии писались больше для чтения.

После падения Римской империи театр переживал многовековой кризис: он был запрещен христианской церковью, и течение многих веков официального театрального искусства не существовало. Театр жил в своей народной форме: бродячие народные труппы путешествовали с развлекательными представлениями из города в город, однако и они преследовались церковью.

Возрождение официального театра

Возрождение официального театра началось в IX веке. Именно христианская церковь представила так называемую литургическую драму – религиозное представление, входившее в состав пасхальной или рождественской службы.

Литургические драмы отличались строгим формализмом и ритуально-символическим характером актерского исполнения. Однако постепенно усиливалось мирское звучание литургической драмы, в нее стали проникать народные интонации, комические мотивы и бытовые черты.

С течением времени литургическая драма трансформировалась в мистерию и иные виды религиозного театра – миракль и моралите, в которых господствовал аллегорический, нравоучительный и бездейственный стиль исполнения. Основной акцент делался на разнообразных сценических эффектах, создававших у зрителя впечатление чуда: вознесении на небеса, низвержении в ад и т.д.

Общее усиление общественной роли театра привело и к некоторым послаблениям в отношении балаганного театра, что вызвало его бурное развитие в искусстве средневековых гистрионов, вагантов, шпильманов, менестрелей.

В XVI веке в Италии активно развивается комедия масок – комедия дель арте, оказавшая огромное влияние на развитие театрального искусства и культуры в целом. В основе актерского искусства комедии дель арте лежала доведенная до совершенства импровизация и точное взаимодействие с партнером, которые укладывались в жесткие сюжетные схемы.

Ослабление церковного контроля над театральным искусством привело к резкому всплеску развития драматургии, а в актерском искусстве в это время возникают первые зачатки реализма, что отражено в обращении Гамлета к актерам в одноименной трагедии У.Шекспира.

Новый виток развития актерского искусства связан с эпохой классицизма (XVII в.). Именно в это время в театр был возвращен строгий канон актерского исполнения: торжественно-приподнятой, акцентировано ритмизированной, напевной манеры произнесения текста, сопровождаемой широким статичным жестом, подчеркивающим условность сценической речи.

Подобный стиль исполнения носил название «декламации», однако она включала в себя всю совокупность актерских изобразительных средств и приемов. Классицистская эстетика требовала мерного и четкого произнесения текста, которое сопровождалось статичным жестом. Эмоции строго контролировались разумом, сценическая речь была подчинена законам музыки, а движение – законам пластики.

Прорыв в принципах актерского искусства осуществил французский комедиограф Ж.Б.Мольер: образы в его пьесах приобретают индивидуальность и психологическую убедительность.

После Мольера в актерском искусстве происходит упрочение реалистических принципов в сочетании с гражданским темпераментом и четкой общественной позицией. Психологическая разработка образов стала соотноситься не только с возрастом, но и с социальным положением персонажа, что было обусловлено появлением на сцене героев третьего сословия и общим усилением демократических тенденций в литературе. Сценические образы становятся многообразнее и приобретают психологическую глубину, что становится переходным этапом от классицизма к романтизму.

В отличие от характеров классицизма, романтические герои воздействовали на зрителя бунтарским пафосом и напряженной эмоциональностью, трагизмом исключительной личности, а потому требовали от актера большого эмоционального накала и высоких страстей. Критерием оценки актерского искусства стала искренность переживания.

На протяжении практически всего XIX века происходило становление реалистического направления в искусстве. Точкой наивысшего расцвета реализма стал конец XIX столетия и появление таких драматургов, как Г.Ибсен, Г.Гауптман, Б.Шоу и А.Чехов, чьи произведения требовали совершенно иных принципов актерского исполнения.

В этот же период появляется и новая театральная профессия – режиссер.

На рубеже XIX и ХХ веков начинает свои исследования и реформатор театрального искусства К.С.Станиславский, чьи исследования выльются в разработку теории и метода искусства актера, ныне известную как «система Станиславского». Задачей К.С.Станиславского было научить актера существовать на сцене правдиво, то есть проживать эмоции своего персонажа.

При этом сама система – это практическое руководство для актера, в котором собраны рекомендации и упражнения на развитие актерской техники. Многогранность теории Станиславского породила множество школ и методов актерского искусства. Например, биомеханику В.Мейерхольда, согласно которой разработанная система пластического, акробатического и гимнастического тренинга актера делает возможным его переход в нужное психологической состояние.

В актерском искусстве ХХ века отсутствует какой-либо ведущий принцип или метод сценической игры. Театр строится на многовариантности и разнообразии. Так, появляется эпический театр Б.Брехта, отстаивавшего в своем творчестве уничтожение «четвертой стены» и развивавшего принцип «отстранения», то есть отделения актера от персонажа. Эстетика абсурдизма придерживалась иных принципов актерской техники, основанной на причудливом сплетении противоречащих друг другу, но нераздельных качеств.

Современное актерское искусство характеризуется, в первую очередь, отсутствием какого-либо определенного канона и большим разнообразием стилистики. Главным принципом при этом становится эстетическое и стилевое единство спектакля, а также актерский ансамбль, то есть умение сочетать собственные творческие задачи с задачами партнеров по сцене.